Сообщество мастеров | Ай да мастер

15 декабря 2017

Сообщество мастеров Ай да Мастер

Интересные статьи

Роза Халтуева. Все дороги на Байкале сводятся к «Восточному пространству»!

Роза Халтуева11 февраля 2013 года в Иркутской области будут отмечать Сагаалган – Белый месяц - Новый год по лунному календарю. В рамках празднования Белого месяца с 6-го по 25-е февраля в Музее «Усадьба Сукачева» открывается передвижная выставка «Восточное пространство». Экспозиция существует четвертый год и уже сникала себе славу арт-площадки, объединяющей творческие силы коренных народов Прибайкалья.

Автором идеи её создания стала энергичная и обаятельная женщина, вдохновитель и организатор целого ряда проектов, среди которых Международный фестиваль этнического костюма «Подиум ЭТНО», Заведующая отделом по инновационной и информационной деятельности ИОГБУК «Центр культуры коренных народов Прибайкалья» Роза Михайловна Халтуева.

Человек неравнодушный, остро переживающий за будущее родной земли, за молодое поколение, она вместе со своей единомышленницей Элеонорой Кез и творческой группой в 2009 году издала журнал «Восточное пространство», с единственной целью – привлечь молодежь к своим истокам. На, состоявшемся в Улан-Баторе, Международном фестивале бурятской культуры «Алтаргана -2010», новый журнал был отмечен как «очень современный, интересный, новаторский проект». Но издание журнала оказалось делом хлопотным и финансово трудным, и вскоре «новаторский проект» обрел другие формы.

Халтуева предложила нескольким молодым художникам - Юрию Ермолаеву, Владиславу Урбаханову, Александру Имедееву и Екатерине Сусловой объединиться вокруг новой экспозиции, наглядно знакомящей посетителей с искусством и культурой прибайкальских народов. Главная задача осталась та podium etnoже - поддержать молодых, талантливых людей.

Проект «Восточное пространство» поддержало Министерство культуры и архивов Иркутской области, деятели искусства, представители бизнеса - в первую очередь - галерист Диана Салацкая. Когда три года назад открывали первую экспозицию, Роза Михайловна не ожидала, что выставка получит такой резонанс: «Многих молодых художников открыли для себя!»

Сегодня «Восточное пространство» не только стартовая площадка для молодых художников и скульпторов, в его рамках проводят мастер-классы по традиционному искусству коренных народов, организуют концерты самодеятельных коллективов, летом на Ольхоне работает одноименная экспозиция.

Среди тех, кто по достоинству оценил работы прибайкальских художников, был Евгений Ефимович Березиков, известный художник и писатель. Он и не подозревал, что на Байкале есть такие художники, что можно так, через картины, показать уважение к своим корням.

В «Книге отзывов» ольхонской части проекта есть запись школьников из Ижевска, Роза Михайловна помнит её до сих пор: «Добрая земля, проникновенные картины!».

Халтуева отмечает, что гостям города и региона интересна культура коренных народов, но чтобы сохранить и развить её, нужно много работать, причем в нескольких направлениях. Все проекты Розы Михайловны, так или иначе, связаны с возрождением и сохранением народных традиций, преемственностью поколений.

В её послужном списке авторский проект фестиваля-конкурса этнического костюма «Подиум Этно «Содружество», который уже приобрел статус международного. И здесь всё внимание молодежи – молодым и амбициозным модельерам, непрофессиональным манекенщицам, делающим первый шаг в модельной карьере, юным зрителям, впервые увидевшим этнические костюмы, выполненных в традициях разных народов мира.

Уже второй год проходит ещё один проект - Межрегиональный фестиваль песенного фольклора на Байкале. Любой фестиваль, по мнению Розы Михайловны, это связь поколений. Она убеждена, что традиционная культура всегда была элементом воспитания детей в семье, которое давало определенные навыки pesnyaобщения.

Кроме заботы о младшем поколении, ей небезразлична судьба Байкала, её тревожит, что происходит на Ольхоне.

«Ольхон не может выдерживать такое отношение. Это сакральное место, священное! Посмотрите, во что его превратили. Байкал - всемирное наследие! Взять, к примеру, Шаман-скалу. В последний раз мне плакать хотелось! Осквернили всё. Шаман-скала, одна из девяти святынь Азии, расположенная вблизи пос. Хужира, стала своего рода визитной карточкой озера, одним из самых знаменитых ключевых образов Байкала: без ее изображения не обходится ни один фильм или фотоальбом о Байкале. Наиболее почитаемым святым местом на Байкале была пещера в скале этого мыса Шаманка, которой приносили жертвы и давали обеты со времени появления первых шаманов. Раньше у бурят существовали многочисленными табу (сээр), которые продолжают сохраняться в некоторых местах до сих пор. Ступать на святые места мог только шаман. Нет у нас сегодня бережного и трепетного отношения не только к сакральным местам, но и к природе в целом» - очень эмоционально говорит Роза Михайловна.

«Все дороги на Байкале сводятся к «Восточному пространству!» - написал один из посетителей передвижной выставки.

Проекты Халтуевой актуальны, востребованы и требуют дальнейшего развития. В областном центре – Иркутске необходимо создать Музей коренных народов Прибайкалья и Национальный Выставочный центр. Но, без серьезной финансовой поддержки и внимания властных структур к этим проблемам, вопросы не решить.

Хочется верить – коренные народы Прибайкалья и мы вместе с ними сохраним самое ценное из культурного и духовного наследия наших предков.

Инга Ермолаева

"Березовый край" Александра Юркова

52159В центре Нижнего Новгорода в подвале старинного дома на Большой Покровской разместилась удивительная художественная галерея «Юрковка». Если вам придется побывать в Нижнем, не пожалейте времени, посетите это необычное место. Подобного вы не увидите больше нигде, а вспоминать будете еще долгие годы. Художник Александр Николаевич Юрков разместил здесь свои уникальные работы, выполненные в технике, которую он назвал «флорийской мозаикой».

Необычность его картин в том, что написаны они не кистью и красками, а кусочками засушенных листьев, травы, цветов. Картины именно «написаны», потому что мельчайшие разноцветные кусочки листьев подобраны так тщательно, что переходы между ними можно заметить только при внимательном рассмотрении. Любопытно наблюдать, как люди, впервые попавшие сюда, буквально утыкаются носами в картины, чтобы понять, как же такое возможно. И только убедившись, что многоцветные живописные «полотна» созданы из обычных листьев, начинают с все возрастающим удивлением их рассматривать. А затем выстраиваются в очередь к автору, чтобы приобрести буклет или набор открыток с его автографом, которыми не без основания надеются удивить родственников и знакомых.

Александр Николаевич родился 10 апреля 1935 года в Томской области. Детство и юность художника прошли в Красноярске, где он окончилКартина Юркова художественную школу, а затем и училище искусств, параллельно работая художником-постановщиком в драматических театрах сибирских городов. Затем была работа театральным художником во многих городах страны, оформление спектаклей в театрах Москвы и Ленинграда. С середины 70-х годов прошлого века А.Н. Юрков живет в Нижнем Новгороде, где долгие годы был главным художником Академического театра драмы им. Максима Горького.

Именно в Нижнем Александр Николаевич и выработал свой неповторимый стиль создания картин из природных материалов. Техника, в которой работает мастер, необычайно трудоемка и кропотлива, кроме профессиональной художественной подготовки она требует терпения, острого глаза и тонкого чувства цвета. Художник считает, что живая природа, создав необычайно богатую цветовую палитру, позволяет на картинах передавать широкую гамму оттенков, не прибегая к помощи традиционных красок. Причем картины от этого только выигрывают, приобретая теплый естественный колорит и неброскость красок, характерных для природы средней полосы России.

Картина ЮрковаКазалось бы, из подобных материалов хорошо создавать пейзажи, но художник «пишет» листьями не только их, но и большие жанровые картины, портреты. Удивительно, но из кусочков листьев на его картинах возникают переливы солнечного света в облаках, белоснежные шапки снега на зимних кустах, рябь на заросшей камышами речушке и даже бархатистость шерсти дворовых собак или резвящихся в лесу медвежат. На своих картинах Александр Юрков любит изображать родные ему нижегородские места – тихие переулки и городские окраины, храмы и стены древнего кремля, тенистые парки и уютные скверы, каменные набережные Оки и ветхие деревянные мостики через тихие речушки. Все, что изображено на его картинах, до боли родное и узнаваемое. Впечатление, которое производят на зрителей его работы, трудно передать словами. Да, наверное, и не стоит. У каждого видевшего их оно будет своё. Но одно несомненно – равнодушных в его галерее не бывает.

Картины А. Юркова

Источник shkolazhizni.ru

Александр Самарин: "Достоевский – не мой автор!"

altВ галерее Lee Art заканчивает свою работу персональная выставка Александра Самарина «Воздушные замки и сахарные петушки». Александр входит в тройку самых известных иркутских художников, работающих в стиле «наив», наряду с Александром Суриковым и Петром Ончуковым.

Два года назад, в Художественном музее, с большим успехом прошла выставка Самарина, организованная к его 50-летию. Сегодня он радует иркутян своими новыми работами.

Александр, поздравляю Вас с открытием выставки! К чему приурочена ваша выставка на этот раз?
- Да я её ни чему не приурочивал. Просто здесь собраны работы 2012 года.

Вы - известный художник. Но, насколько мы знаем, начинали Вы с журнала «Сибирячок», где проработали 10 лет.
- Первые 10 лет существования «Сибирячка». Я тогда книжным иллюстратором был, вообще нацеливался туда. Но потом понял, что я - индивидуалист, а книга – это все-таки продукт коллективного труда. А затем началась перестройка: издательства стали разваливаться, начались невыплаты гонораров, и я в этот период от книги отошёл. А вскоре я увлёкся станковой графикой и связи налаживать не стал. Дело в том, что у нас в регионе детских книг не издают. Бывает, но редко, поэтому постоянно работать, в этом направлении, возможности нет.

Не пытались через Интернет с издателями связываться? Как Ася Белова, например?
- Нет, не стал я. Но детские книги я делал. В своё время я, по-моему, единственный с «Детской литературой» сотрудничал. Самое крупное в советские
 времена издательство, которое очень хорошо печатало, очень хорошо издавало, тогда же глобально всё было, всесоюзно. Книги эти были дефицитом.

Интересно. На одном из книжных сайтов я видела книгу с вашим иллюстрациями - «Загадки», под ней подпись «Раритет. Не продаётся».
- Да? У меня тоже только один экземпляр остался. Есть сами оригиналы иллюстраций, но потеряли обложку. Выходит, я тоже обладатель раритета.

Детская иллюстрация много Вам дала?
- Но я же неспроста рвался в детские иллюстраторы. Там возможностей гораздо больше, чем во взрослой иллюстрации. А я очень любил книгу, всегда. ИАлександр Самарин сейчас люблю, саму книгу, как предмет. А в детской иллюстрации всегда было посвободнее, там развернуться можно было. В детской книге самих иллюстраций было много, и они были цветные, что очень редко встретишь во взрослой. Сейчас вообще не издают иллюстрированных книг. Гораздо меньше, чем раньше.

Но сейчас и сама графика по стилистике стала совсем другой!
- Да, раньше у нас считалось, что все авангардисты работали в детской графике. Все наши известные графики - Кабаков, Пивоваров, они детские книги иллюстрировали. Там было больше возможностей для авангардного мышления. В отличие от станковой живописи. А сейчас, как раз наоборот, издаётся много усреднённого, американо-европейского, компьютерно-сделанного. Коммерчески выгоднее это, как и во всем мире. Но мне, может быть я консерватор, почему-то эта стилистика не очень нравится.

Тем не менее, я читала, что ваши работы пользуются спросом в Европе, в той же Франции. В Питере и Москве хорошо ваши картины покупают.
- Я пишу работы, а продают-то их галеристы. Я тут вообще не причём. Меня поразило, что мою работу купил профессор Академии Глазунова. Я думал там консерваторы такие, что у них там академизм такой, стопроцентный. А когда я узнал что купили из Академии, то был очень удивлён.
.
altО ваших работах говорят так: «Живопись Самарина - это смесь «наива», экспрессионизма, юмора и мудрости. А как Вы сами можете охарактеризовать ваше искусство в двух словах?
- Ну, я согласен, но я бы ещё добавил и «лубок», и икону русскую, и фовизм, по яркости цвета. Фовистам, им всем нравился наш лубок.
Очень люблю восточное искусство. Японскую гравюру могу часами рассматривать, одну гравюру. С точки зрения стилистики я впитал очень много, как мне кажется.

В стиле «наив» работают три наших художника – Вы, Александр Суриков и Пётр Ончуков. Вы с ними общаетесь?
Я с ними очень хорошо знаком. Правда, они сейчас разъехались. Петю я вообще давно знаю, когда только начинал, мы с ним в издательстве сотрудничали. И мы тогда на творческие дачи ездили. Там и с Сашей познакомился, он тогда ещё в институте учился. Мне они оба нравятся.

На ваших картинах часто изображены рыбы, животные, птицы. Эта любовь из детства?
- Я животных любил с детства, всех. Я художником-то вообще не мечтал стать. В детстве у меня была такая мечта - стать зоологом. В окружении не было ни одного художника, и художественной школы рядом не было.

Но в юности приоритеты изменились?
Да, я закончил авиационный техникум, потом отслужил в армии, два года отработал и понял, что если художником не стану - счастливым мне не бывать.

И Вы поступили в Художественное училище?
- Я пошёл учиться очень сложно: к тому времени я уже женился, у меня был один ребёнок и когда поступил в училище, узнал что будет второй.

Но жена Вас поддержала в этот момент?
- Да она меня всегда поддерживала и поддерживает.

Замечательная у Вас жена! Дай Бог ей здоровья! Вас ни с кем невозможно перепутать. Как вы нашли свой стиль?
- Вы знаете, я, когда в издательство пришёл, на второй день учёбы, там был такой художественный редактор, старой, старой реалистической «закваски»,alt Евгений Григорьевич Касьянов. Не знаю, жив он сейчас или нет. Я ему показал свои картинки, и он мне говорит: « В книге работать можешь, но ты сделай что-нибудь конкретное для какого-нибудь конкретного произведения, ряд последовательных иллюстраций». И я, по молодости, такой самонадеянный решил его поразить ˗˗ Достоевского проиллюстрировать, «Бедных людей». Он посмотрел, «всё здорово» говорит, а потом как начал мне делать замечания, деликатно очень, педагог был хороший. Он мне всё так ласково объяснил, что я потом осмелился появиться только через три года. Я уже понял, что такое академический рисунок, правильная анатомия, и уже не очень хотел Достоевского иллюстрировать и поражать кого-то. Я понял, что моё дело - сказки! 

А как начиналась сказка, помните?
- Я всегда с удовольствием своё детство вспоминаю, спасибо маме с папой. Я житель городской, в городе родился, а они родом из деревни. И я каждое лето ездил к бабушке с дедушкой в Усольский район, в деревню Мишелёвка. Природа, пруд, две реки, лес кругом! Может быть у тех, кто жил там постоянно притуплялось это восприятие, а у меня, из города приехавшего, всё это фантазии рождало.
Я сказки вообще люблю, коллекционирую их и уже дорос до сказок папуасов киваи, и всё это мне очень интересно.
Т.е. за Достоевского уже не возьметесь?
Я понял, что Достоевского иллюстрировать не смогу – мировосприятие не то. Я люблю Достоевского, но он – не мой автор!

Автор Инга Ермолаева

Мальчик – «колебятко», девочка – «колебятка»

kolobok2013 1В ульяновских магазинах появилась новая книга про симбирского колобка. Её автор - руководитель ульяновского Центра славянской культуры Владимир Ланько. Герои в ней те же, что и во всем известной «народной» истории, а вот финал другой: колобка спасают всем миром. Так что суть сказки изменилась – теперь она не про хитрость и доверчивость, а про дружбу.

В 2011 году Ульяновская область получила новый статус. Столичная Ассоциация землячеств нанесла регион на сказочную карту России в качестве родины Колобка. Вышло так с легкой руки местного краеведа Сергея Петрова, который нашел в словаре Даля особое название хлебцов из остатков квашни – колобков. Жители Симбирской губернии, ныне Ульяновской области,  звали их "колебятками". Вместе с художницей Светланой Мосеевой краевед создал оригинальный образ колобков, рисунок которых не повторяется. 

Колобок, если верить фольклору, существо бесполое, краевед предложил называть «девочек»– «колебятка», а «мальчиков» – «колебятко». В прошлом году "Колебятко" (молодой человек, наряженный в «фирменный» костюм) победил на первых всемирных сказочных играх, которые прошли в Вятке. А вскоре под Ульяновском открыли "Усадьбу колобка". Летом здесь кормили колобками, испеченными по взятому из сказки рецепту (тому самому, где «по сусекам поскребли»), предлагали поиграть в колобкобол и покататься вПамятник Колобку гигантском колобке – зорбинге.

Теперь же у симбирского колобка есть и собственная история.

- Каких-то конкретных планов написать сказку у меня не было – это все же творческий процесс. Но в марте прошлого года родилась строчка, которая дала толчок: «На окошко птичка села, постучала и запела». И процесс пошел, – рассказывает Владимир Ланько. – Сказка про симбирского колобка, которого «и на Волге, и за Вяткой называют колебяткой», родилась за полтора месяца. Я показал ее Сергею Борисовичу Петрову, и был очень рад, что он не исправил в ней ни единого слова.

По-другому сказку про симбирского колобка называют «раёшник»: это слово, образованное от редкого «раять» – звучать отголоском. Таким образом, сказка Ланько – отголосок известного всем с детства «Колобка». Герои здесь те же – дед и баба (правда, с именами – Семен и Праскева), а также Заяц, Волк, Медведь и Лисица. Но конец счастливый: лесные звери, благодаря сороке, спасают колобка, который возвращается домой.

В сказке описывается обряд, которым симбиряне встречали "Бабье лето". По словам Владимира Ланько, 14 сентября – Семенов день – вполне может считаться днем рождения колобка. В это время выпекали хлеб из муки нового урожая, начинались первые вечерние посиделки.

Написана сказка в стихах, к которым автор сочинил и музыку. Первую постановку Ланько сделал с учениками одной из ульяновских детских школ искусств. В ближайших планах – сделать партитуры для ансамбля струнных народных инструментов и показывать сказку на «большой» публике.

- Хочется сделать так, чтобы герой русской сказки стал популярнее иностранных Микки Маусов, – говорит Сергей Петров. – Будем настаивать на том, чтобы на майках, ранцах, портфелях, тетрадях рисовали колобков. А еще, колебятка хорошо бы подошла в качестве символа чемпионата мира по футболу, который пройдет в Росиии. Колобок ведь круглый, как мяч.

Усадьба КолобкаСергей Борисович Петров лелеет две мечты: выточить гигантский Царь-Колоб и продвинуть румяного героя на мировую сказочную арену. 

Вытачивать липовые заготовки для колобков – дело не одного дня. Владимир Ланько сам руководит процессом. Бревно из липы сначала очищают от коры,  потом почти полгода сушат в особом помещении. На сувенир сгодится только липа: колобки из березы и дуба трескаются.

Потом нужно за токарный станок встать: чтобы выточить круг идеальной формы, требуется ювелирная точность. На изготовление Колебяток на первых порах уходило больше часа. Теперь  укладываются в 10 минут.

В росписи Колобка тоже существуют свои каноны. С одной стороны вам всегда улыбается большеглазое хлебобулочное изделие, а с другой – нарисован сюжет из русской народной сказки. Кстати, Колобки из мастерских ульяновских умельцев подойдут для любого бюджета: от 300 до 3000 рублей.

Заготовки Ланько передает художникам, а те уже расписывают, как кисть ляжет. Последний лоск на колобок наводит сам автор, покрывая расписной сувенир лаком.

Сказка про колебятку издана пробным тиражом в 1000 экземпляров. В  ближайшее время Владимир Ланько хочет выпустить еще одну книгу, но уже прозу – историю симбирской колебятки.

 

По материалам Улпресса

"Образ" Дмитрия Гутова

Работы Д.ГутоваВчера в вечернем выпуске новостей, центральное телевидение показало репортаж о вручении Премии Кандинского. Данная премия считается одной из самых влиятельных в России в области современного искусства. Международное жюри и экспертный совет Премии Кандинского выбрали финалистов из 35 номинантов. В этом году жюри отметило группу AES+F за проект "Священная аллегория" и художника Григория Брускина со скульптурным проектом "Время Ч" в номинации "Проект года" и Дмитрия Венкова с "Безумными подражателями" в номинации "Молодой художник. Проект года".

Но больше всего наше внимание привлекли 10-секундные кадры с произведениями Дмитрия Гутова. Именно с его оригинальными  работами  мы хотим вас сегодня познакомить.

Для справки. Дмитрий Гутов родился в 1960 году в Москве, окончил  Институт живописи, скульптуры и архитектуры им. Репина. В 1994 году организовал в Москве Институт Михаила Лифшица. С 1993 года член редколлегии «Художественного журнала». Участник Венецианских биеннале .

На суд авторитетного жюри Премии Кандинского Дмитрий Гутов представил свой  новый проект E’IK’ΩN - серию своих металлических объемных работ. На этот раз в качестве образца взяты древние русские иконы. Работа с иконными образами вполне закономерна с формальной точки зрения, ведь известно, что иконы делались с так называемых прорисей — графических эталонов образов, собранием которых владел практически каждый профессиональный иконописец. Сам Гутов утверждает, что он отказался от использования сохранившихся в архивах прорисей из-за их стандартности. Действительно, творческий момент в русской иконе начинается отнюдь не с копирования повторения, а с его неудачи — непредвиденного различия. Очень трудно определить жанр этих художественных объектов. Плоская фигурная металлическая «решетка» превращена в особый вид пространственной скульптуры. Стоит отойти чуть влево или вправо, как изображение начинает искажаться.

По собственным словам художника, его работы демонстрируют тот путь, который прошло искусство от иконописи до постмодернизма. В традиционной скульптуре зритель видит различные ракурсы одного и того же объема, в скульптурах Гутова этого объема нет, и каждый новый ракурс отрицает предыдущий. 

Работы Дмитрия производят сильное впечатление. Обращение к исключительно русской, традиционной теме – Фрагмент работы Д.Гутоваиконе, автор полностью переосмысливает её в современном контексте. Поражает сам материал - не краски, не темпера на дереве, а металл. Художник разбивает плоскость иконы: распадаясь на составные части, она приобретает объемность. Стоит только начать движение вокруг иконы, как она  на глазах превращается во что-то абстрактное. В профиль работы кажутся искореженными, развалившимися, непонятными, но стоит посмотреть в анфас, икона втягивает свои металлические шипы и обретает цельность и глубину, становясь глубоко и лично вашей. Металлические ребра словно соединяют современную абрисную икону с хорошо знакомыми с детства теплыми ликами русских образов.

Металлические линии, очерчивающие фигуры иконы, выпадают из её пространства, и – включают пространство окружающего мира. И здесь значение обращения художника к теме иконы обретает исключительно важный смысл: выступающие на передний план металлические очертания фигур иконы – это та основа, которую удалось сохранить несмотря ни на что, это та вера, та человеческая потребность верить, которая заложена на глубинном уровне в человеке и которая необходима для каждого из нас.

Источникит сайт премии Кандинского и сайт Дмитрия Гутова 

Ай да Мастер: