Сообщество мастеров | Ай да мастер

15 декабря 2017

Сообщество мастеров Ай да Мастер

Статьи о рукоделии

Александр Самарин: "Достоевский – не мой автор!"

altВ галерее Lee Art заканчивает свою работу персональная выставка Александра Самарина «Воздушные замки и сахарные петушки». Александр входит в тройку самых известных иркутских художников, работающих в стиле «наив», наряду с Александром Суриковым и Петром Ончуковым.

Два года назад, в Художественном музее, с большим успехом прошла выставка Самарина, организованная к его 50-летию. Сегодня он радует иркутян своими новыми работами.

Александр, поздравляю Вас с открытием выставки! К чему приурочена ваша выставка на этот раз?
- Да я её ни чему не приурочивал. Просто здесь собраны работы 2012 года.

Вы - известный художник. Но, насколько мы знаем, начинали Вы с журнала «Сибирячок», где проработали 10 лет.
- Первые 10 лет существования «Сибирячка». Я тогда книжным иллюстратором был, вообще нацеливался туда. Но потом понял, что я - индивидуалист, а книга – это все-таки продукт коллективного труда. А затем началась перестройка: издательства стали разваливаться, начались невыплаты гонораров, и я в этот период от книги отошёл. А вскоре я увлёкся станковой графикой и связи налаживать не стал. Дело в том, что у нас в регионе детских книг не издают. Бывает, но редко, поэтому постоянно работать, в этом направлении, возможности нет.

Не пытались через Интернет с издателями связываться? Как Ася Белова, например?
- Нет, не стал я. Но детские книги я делал. В своё время я, по-моему, единственный с «Детской литературой» сотрудничал. Самое крупное в советские
 времена издательство, которое очень хорошо печатало, очень хорошо издавало, тогда же глобально всё было, всесоюзно. Книги эти были дефицитом.

Интересно. На одном из книжных сайтов я видела книгу с вашим иллюстрациями - «Загадки», под ней подпись «Раритет. Не продаётся».
- Да? У меня тоже только один экземпляр остался. Есть сами оригиналы иллюстраций, но потеряли обложку. Выходит, я тоже обладатель раритета.

Детская иллюстрация много Вам дала?
- Но я же неспроста рвался в детские иллюстраторы. Там возможностей гораздо больше, чем во взрослой иллюстрации. А я очень любил книгу, всегда. ИАлександр Самарин сейчас люблю, саму книгу, как предмет. А в детской иллюстрации всегда было посвободнее, там развернуться можно было. В детской книге самих иллюстраций было много, и они были цветные, что очень редко встретишь во взрослой. Сейчас вообще не издают иллюстрированных книг. Гораздо меньше, чем раньше.

Но сейчас и сама графика по стилистике стала совсем другой!
- Да, раньше у нас считалось, что все авангардисты работали в детской графике. Все наши известные графики - Кабаков, Пивоваров, они детские книги иллюстрировали. Там было больше возможностей для авангардного мышления. В отличие от станковой живописи. А сейчас, как раз наоборот, издаётся много усреднённого, американо-европейского, компьютерно-сделанного. Коммерчески выгоднее это, как и во всем мире. Но мне, может быть я консерватор, почему-то эта стилистика не очень нравится.

Тем не менее, я читала, что ваши работы пользуются спросом в Европе, в той же Франции. В Питере и Москве хорошо ваши картины покупают.
- Я пишу работы, а продают-то их галеристы. Я тут вообще не причём. Меня поразило, что мою работу купил профессор Академии Глазунова. Я думал там консерваторы такие, что у них там академизм такой, стопроцентный. А когда я узнал что купили из Академии, то был очень удивлён.
.
altО ваших работах говорят так: «Живопись Самарина - это смесь «наива», экспрессионизма, юмора и мудрости. А как Вы сами можете охарактеризовать ваше искусство в двух словах?
- Ну, я согласен, но я бы ещё добавил и «лубок», и икону русскую, и фовизм, по яркости цвета. Фовистам, им всем нравился наш лубок.
Очень люблю восточное искусство. Японскую гравюру могу часами рассматривать, одну гравюру. С точки зрения стилистики я впитал очень много, как мне кажется.

В стиле «наив» работают три наших художника – Вы, Александр Суриков и Пётр Ончуков. Вы с ними общаетесь?
Я с ними очень хорошо знаком. Правда, они сейчас разъехались. Петю я вообще давно знаю, когда только начинал, мы с ним в издательстве сотрудничали. И мы тогда на творческие дачи ездили. Там и с Сашей познакомился, он тогда ещё в институте учился. Мне они оба нравятся.

На ваших картинах часто изображены рыбы, животные, птицы. Эта любовь из детства?
- Я животных любил с детства, всех. Я художником-то вообще не мечтал стать. В детстве у меня была такая мечта - стать зоологом. В окружении не было ни одного художника, и художественной школы рядом не было.

Но в юности приоритеты изменились?
Да, я закончил авиационный техникум, потом отслужил в армии, два года отработал и понял, что если художником не стану - счастливым мне не бывать.

И Вы поступили в Художественное училище?
- Я пошёл учиться очень сложно: к тому времени я уже женился, у меня был один ребёнок и когда поступил в училище, узнал что будет второй.

Но жена Вас поддержала в этот момент?
- Да она меня всегда поддерживала и поддерживает.

Замечательная у Вас жена! Дай Бог ей здоровья! Вас ни с кем невозможно перепутать. Как вы нашли свой стиль?
- Вы знаете, я, когда в издательство пришёл, на второй день учёбы, там был такой художественный редактор, старой, старой реалистической «закваски»,alt Евгений Григорьевич Касьянов. Не знаю, жив он сейчас или нет. Я ему показал свои картинки, и он мне говорит: « В книге работать можешь, но ты сделай что-нибудь конкретное для какого-нибудь конкретного произведения, ряд последовательных иллюстраций». И я, по молодости, такой самонадеянный решил его поразить ˗˗ Достоевского проиллюстрировать, «Бедных людей». Он посмотрел, «всё здорово» говорит, а потом как начал мне делать замечания, деликатно очень, педагог был хороший. Он мне всё так ласково объяснил, что я потом осмелился появиться только через три года. Я уже понял, что такое академический рисунок, правильная анатомия, и уже не очень хотел Достоевского иллюстрировать и поражать кого-то. Я понял, что моё дело - сказки! 

А как начиналась сказка, помните?
- Я всегда с удовольствием своё детство вспоминаю, спасибо маме с папой. Я житель городской, в городе родился, а они родом из деревни. И я каждое лето ездил к бабушке с дедушкой в Усольский район, в деревню Мишелёвка. Природа, пруд, две реки, лес кругом! Может быть у тех, кто жил там постоянно притуплялось это восприятие, а у меня, из города приехавшего, всё это фантазии рождало.
Я сказки вообще люблю, коллекционирую их и уже дорос до сказок папуасов киваи, и всё это мне очень интересно.
Т.е. за Достоевского уже не возьметесь?
Я понял, что Достоевского иллюстрировать не смогу – мировосприятие не то. Я люблю Достоевского, но он – не мой автор!

Автор Инга Ермолаева

Мальчик – «колебятко», девочка – «колебятка»

kolobok2013 1В ульяновских магазинах появилась новая книга про симбирского колобка. Её автор - руководитель ульяновского Центра славянской культуры Владимир Ланько. Герои в ней те же, что и во всем известной «народной» истории, а вот финал другой: колобка спасают всем миром. Так что суть сказки изменилась – теперь она не про хитрость и доверчивость, а про дружбу.

В 2011 году Ульяновская область получила новый статус. Столичная Ассоциация землячеств нанесла регион на сказочную карту России в качестве родины Колобка. Вышло так с легкой руки местного краеведа Сергея Петрова, который нашел в словаре Даля особое название хлебцов из остатков квашни – колобков. Жители Симбирской губернии, ныне Ульяновской области,  звали их "колебятками". Вместе с художницей Светланой Мосеевой краевед создал оригинальный образ колобков, рисунок которых не повторяется. 

Колобок, если верить фольклору, существо бесполое, краевед предложил называть «девочек»– «колебятка», а «мальчиков» – «колебятко». В прошлом году "Колебятко" (молодой человек, наряженный в «фирменный» костюм) победил на первых всемирных сказочных играх, которые прошли в Вятке. А вскоре под Ульяновском открыли "Усадьбу колобка". Летом здесь кормили колобками, испеченными по взятому из сказки рецепту (тому самому, где «по сусекам поскребли»), предлагали поиграть в колобкобол и покататься вПамятник Колобку гигантском колобке – зорбинге.

Теперь же у симбирского колобка есть и собственная история.

- Каких-то конкретных планов написать сказку у меня не было – это все же творческий процесс. Но в марте прошлого года родилась строчка, которая дала толчок: «На окошко птичка села, постучала и запела». И процесс пошел, – рассказывает Владимир Ланько. – Сказка про симбирского колобка, которого «и на Волге, и за Вяткой называют колебяткой», родилась за полтора месяца. Я показал ее Сергею Борисовичу Петрову, и был очень рад, что он не исправил в ней ни единого слова.

По-другому сказку про симбирского колобка называют «раёшник»: это слово, образованное от редкого «раять» – звучать отголоском. Таким образом, сказка Ланько – отголосок известного всем с детства «Колобка». Герои здесь те же – дед и баба (правда, с именами – Семен и Праскева), а также Заяц, Волк, Медведь и Лисица. Но конец счастливый: лесные звери, благодаря сороке, спасают колобка, который возвращается домой.

В сказке описывается обряд, которым симбиряне встречали "Бабье лето". По словам Владимира Ланько, 14 сентября – Семенов день – вполне может считаться днем рождения колобка. В это время выпекали хлеб из муки нового урожая, начинались первые вечерние посиделки.

Написана сказка в стихах, к которым автор сочинил и музыку. Первую постановку Ланько сделал с учениками одной из ульяновских детских школ искусств. В ближайших планах – сделать партитуры для ансамбля струнных народных инструментов и показывать сказку на «большой» публике.

- Хочется сделать так, чтобы герой русской сказки стал популярнее иностранных Микки Маусов, – говорит Сергей Петров. – Будем настаивать на том, чтобы на майках, ранцах, портфелях, тетрадях рисовали колобков. А еще, колебятка хорошо бы подошла в качестве символа чемпионата мира по футболу, который пройдет в Росиии. Колобок ведь круглый, как мяч.

Усадьба КолобкаСергей Борисович Петров лелеет две мечты: выточить гигантский Царь-Колоб и продвинуть румяного героя на мировую сказочную арену. 

Вытачивать липовые заготовки для колобков – дело не одного дня. Владимир Ланько сам руководит процессом. Бревно из липы сначала очищают от коры,  потом почти полгода сушат в особом помещении. На сувенир сгодится только липа: колобки из березы и дуба трескаются.

Потом нужно за токарный станок встать: чтобы выточить круг идеальной формы, требуется ювелирная точность. На изготовление Колебяток на первых порах уходило больше часа. Теперь  укладываются в 10 минут.

В росписи Колобка тоже существуют свои каноны. С одной стороны вам всегда улыбается большеглазое хлебобулочное изделие, а с другой – нарисован сюжет из русской народной сказки. Кстати, Колобки из мастерских ульяновских умельцев подойдут для любого бюджета: от 300 до 3000 рублей.

Заготовки Ланько передает художникам, а те уже расписывают, как кисть ляжет. Последний лоск на колобок наводит сам автор, покрывая расписной сувенир лаком.

Сказка про колебятку издана пробным тиражом в 1000 экземпляров. В  ближайшее время Владимир Ланько хочет выпустить еще одну книгу, но уже прозу – историю симбирской колебятки.

 

По материалам Улпресса

"Образ" Дмитрия Гутова

Работы Д.ГутоваВчера в вечернем выпуске новостей, центральное телевидение показало репортаж о вручении Премии Кандинского. Данная премия считается одной из самых влиятельных в России в области современного искусства. Международное жюри и экспертный совет Премии Кандинского выбрали финалистов из 35 номинантов. В этом году жюри отметило группу AES+F за проект "Священная аллегория" и художника Григория Брускина со скульптурным проектом "Время Ч" в номинации "Проект года" и Дмитрия Венкова с "Безумными подражателями" в номинации "Молодой художник. Проект года".

Но больше всего наше внимание привлекли 10-секундные кадры с произведениями Дмитрия Гутова. Именно с его оригинальными  работами  мы хотим вас сегодня познакомить.

Для справки. Дмитрий Гутов родился в 1960 году в Москве, окончил  Институт живописи, скульптуры и архитектуры им. Репина. В 1994 году организовал в Москве Институт Михаила Лифшица. С 1993 года член редколлегии «Художественного журнала». Участник Венецианских биеннале .

На суд авторитетного жюри Премии Кандинского Дмитрий Гутов представил свой  новый проект E’IK’ΩN - серию своих металлических объемных работ. На этот раз в качестве образца взяты древние русские иконы. Работа с иконными образами вполне закономерна с формальной точки зрения, ведь известно, что иконы делались с так называемых прорисей — графических эталонов образов, собранием которых владел практически каждый профессиональный иконописец. Сам Гутов утверждает, что он отказался от использования сохранившихся в архивах прорисей из-за их стандартности. Действительно, творческий момент в русской иконе начинается отнюдь не с копирования повторения, а с его неудачи — непредвиденного различия. Очень трудно определить жанр этих художественных объектов. Плоская фигурная металлическая «решетка» превращена в особый вид пространственной скульптуры. Стоит отойти чуть влево или вправо, как изображение начинает искажаться.

По собственным словам художника, его работы демонстрируют тот путь, который прошло искусство от иконописи до постмодернизма. В традиционной скульптуре зритель видит различные ракурсы одного и того же объема, в скульптурах Гутова этого объема нет, и каждый новый ракурс отрицает предыдущий. 

Работы Дмитрия производят сильное впечатление. Обращение к исключительно русской, традиционной теме – Фрагмент работы Д.Гутоваиконе, автор полностью переосмысливает её в современном контексте. Поражает сам материал - не краски, не темпера на дереве, а металл. Художник разбивает плоскость иконы: распадаясь на составные части, она приобретает объемность. Стоит только начать движение вокруг иконы, как она  на глазах превращается во что-то абстрактное. В профиль работы кажутся искореженными, развалившимися, непонятными, но стоит посмотреть в анфас, икона втягивает свои металлические шипы и обретает цельность и глубину, становясь глубоко и лично вашей. Металлические ребра словно соединяют современную абрисную икону с хорошо знакомыми с детства теплыми ликами русских образов.

Металлические линии, очерчивающие фигуры иконы, выпадают из её пространства, и – включают пространство окружающего мира. И здесь значение обращения художника к теме иконы обретает исключительно важный смысл: выступающие на передний план металлические очертания фигур иконы – это та основа, которую удалось сохранить несмотря ни на что, это та вера, та человеческая потребность верить, которая заложена на глубинном уровне в человеке и которая необходима для каждого из нас.

Источникит сайт премии Кандинского и сайт Дмитрия Гутова 

Куда ушли Берендеи?

berendeiАрина Сырейщикова, корреспондент сайта ILIMCIT провела небольшое журналистское расследование.

Берендеи… От этого слова будто веет горьковатым запахом степной полыни, нагретой полуденным солнцем, живой русской сказкой, стариной. Думаю, любой из вас, уважаемые читатели, мог бы почувствовать в значении этого слова что-то неуловимо знакомое. Вспомните мифического царя Берендея в русской литературе. В «Сказке о царе Берендее» В.А. Жуковского Берендей — отец Ивана-царевича. Есть и ещё пример: известная пьеса Александра Островского «Снегурочка» переносит зрителя в «царство добрых берендеев». В славянской языческой мифологии «берендей» – это колдун-оборотень, легко оборачивающийся огромным бурым медведем по своему желанию.

На деле же, берендеями называли действительно живших и кочевавших в южнорусских степях в XI—XIII вв. людей. Говорят, берендеи являются этническими предками украинцев. С конца XI в. берендеи, с согласия киевских князей, осели на Киевщине с обязанностью принимать участие в военных походах…

К чему этот экскурс в историю? А знаете ли вы, что берендеи не канули в лету, а находятся совсем рядом с нами, прямо в родном Усть-Илимске? Ещё совсем недавно их можно было видеть в лесочке, что напротив магазина «Юбилейный». Там, в прохладной тени еловых лап, стояли выточенные из дерева скульптуры, изображающие старцев - берендеи. Подобно сказочному лешему, выглядывали они из-за древесных стволов, посматривали на случайных прохожих, торопящихся по своим делам. Теперь же внимательные могли заметить, что деревянные берендеи пропали…

Об истории, таинственном исчезновении и дальнейшей судьбе усть-илимских берендеев поведала Елена Николаевна Михеенкова, директор Школы искусств №2.

«Фигуры эти зовут по-разному. Кто-то говорит «идолы Пламеневского», кто-то – «берендеи Пламеневского». Я впервые познакомилась с ними в 1984 году, когда приехала в Усть-Илимск. Фигуры уже стояли на своей площадке около магазина «Юбилейный». Тогда же познакомилась я и с их автором, замечательным Владимиром Пламеневским, которого сейчас, к сожалению, нет в живых.

[От ред. Владимир Юрьевич Пламеневский 1968-2003 гг. Писатель и архитектор, член Союза писателей России и Союза архитекторов СССР. Создатель многих произведений искусства и нескольких стихотворных сборников. С 1992 Владимир Пламеневский жил в посёлке Листвянка, что у Байкала, где построил первую в Иркутской области частную картинную галерею с гостевыми домиками. Гостями галереи нередко становились именитые зарубежные художники. В 2002 году поэт был награждён премией Иркутского отделения Союза российских писателей и Иркутского областного Фонда культуры «Интеллигент провинции». Владимира Юрьевича не стало 26 мая 2003 года. Он похоронен на кладбище посёлка Листвянка.]

Пламеневский очень хорошо, по-дружески относился к молодым архитекторам, в группе которых я работала. Как-то раз он даже показывал нам фильм о том, как появилисьего деревянные скульптуры. Всех берендеев из больших брёвен вырубил сам Владимир. Он пробовал себя в разных направлениях искусства, и был, при этом, патриотом с большой буквы, настоящим жителем своего города, своей страны. Владимир Юрьевич не говорил о том, что нужно оформлять Усть-Илимск, делать его красивее. Он просто это делал, да ещё и так здорово.

Так вот, вырубив фигуры, он нашёл способ и место, чтобы установить их и живописно расположить. Так они стояли, украшали сквер, были, практически, местными жителями, насколько хватило их по времени. Такие фигуры в принципе недолговечны. Им нужна была правильная обработка, но тогда, наверное, об этом не думали. Был просто порыв души мастера – и он творил… Возможно, скульптуры бы и ещё постояли, но варварство и вандализм в нашем обществе имеют место быть, что уж скрывать. Некоторые фигуры просто-напросто уронили, они подгнили от влажности, потемнели.

Берендеи прожили в Усть-Илимске более 25 лет и вот, оказались в таком состоянии. Мы не смогли остаться равнодушными и бросить всё, как есть. Сейчас фигуры находятся под надёжной защитой в гараже школы искусств №2. Мы забрали их два года назад, чтобы сберечь: на открытом воздухе оставить нельзя – осадки погубят. И вот они лежат, ждут своего часа.

У нас есть интересные идеи по поводу того, как расположить фигуры. В этом году нам просто не хватило средств, чтобы достойно дать берендеям вторую жизнь. Наши мастера – резчики и столяры, посовещались и вынесли свой вердикт: фигуры реставрации, как таковой, не подлежат – нельзя просто обработать их чем-то и поставить на постамент.

Решение, всё же, было найдено. Сейчас мы как раз занимаемся разработкой фасада школы. И пришла такая идея: а не закрепить ли фигуры на фасаде под декоративным навесом, который защитит их от осадков? Так наши берендеи украсят школьный дворик (который сейчас потихоньку благоустраивается) и будут пребывать в сохранности. При этом жители и гости Усть-Илимска смогут полюбоваться фигурами в любое время.

Работа предстоит серьёзная, объёмная и продолжительная, но следующим летом, когда погода будет сухой и тёплой, она точно будет завершена. Мы уже разговаривали с художниками города, резчиками и столярами на эту тему. Все мнения сводятся к тому, что в таком живописном месте берендеям будет лучше всего».

… В тот день мы с Еленой Николаевной долго беседовали об «идолах Пламеневского», искусстве и жизни школы ремёсел. И знаете, уважаемые читатели, мне очень поверилось, что усть-илимские берендеи получат достойную вторую жизнь, что Школа искусств №2 ещё не раз удивит и порадует всех вокруг осуществлением своих новых интересных проектов, что не перевелись и не переведутся мастера в нашем родном городе.

Автор Арина Сырейщикова

Источник Ilimcity.ru

Никита Кондрашев: "Живопись - это экстремальное занятие"


nikitikitaВ галерее LeArt открылась первая персональная выставка Никиты Кондрашева. 
За полгода художник написал более 30 полотен. Такие темпы работы объясняются просто: молодой человек нашел свое призвание. Кондрашев не планировал быть живописцем: после окончания ИрГТУ, два года работал web-дизайнером, но постепенно понял, что ему не жалко потратить свою жизнь на серьезную живопись.

Никита, поздравляю вас с первой персональной выставкой! Сразу вопрос, откуда такая необычная техника?

- Спасибо. Я сам не знаю, откуда она такая необычная. Может потому, что я отхожу от обычной живописи, по крайней мере, стараюсь. Вообще я не хочу, чтобы живопись перешла в ремесло, и поэтому как-то пытаюсь поймать какие-то образы, сделать разнообразную живопись. Я пока ищу свой стиль: разные приемы, техники, если посмотреть, то здесь в каждой картине есть частичка эксперимента. В каждой есть что-то свое, в каждой я попробовал вещи, которые, может быть, уже никогда не буду применять, но это опыт для будущего.

Какой эксперимент здесь - самый любимый?

nikitikita14- Самый любимый - это первая работа. Я её принес в галерею весной. До этого любительски рисовал: закончил кафедру дизайна в ИрГТУ, по специальности «Графический дизайн». Живописцем я не планировал стать: два года проработал web-дизайнером. Потом уже понял, что интересно заняться живописью, не жалко времени, жизни на серьезную живопись.

Интерес к живописи кто-то или что-то подтолкнуло?

- Это возникло неожиданно, как такового толчка не было. Что-то изнутри пришло…

У вас картины святятся изнутри, чем достигается такой эффект?

- Наверное, потому, что я стараюсь в картине показать свет: преломление, отражение, мерцание. Мне интересно писать такие вещи. Может быть дело вУтренние розы. Н.Кондрашев технике, многие картины здесь написаны мастихином. Почему мастихином, потому что он намешивает цвет, если кистью работать, все равно приходится пользоваться растворителем, перемешивать, для этого нужна какая-то практика. Чтобы быстро получались чистые цвета нужно долгое время работать с кистью. А я пока работаю: у меня - эмоции, частенько путаюсь и к кисти где-то подмешивается грязь. Мастихином проще работать. Переливы цвета, когда мастихином пишешь, получаются как грани, кристаллы, стекло. Интересный эффект - я увлекся!

Тема ваших картин в основном - цветы, почему?

- Точно не скажу.  Они - красивые, яркие, у них есть цвет, запах, для начала, я думаю, это хорошая тема, в которой можно себя попробовать.

Для начала, а дальше, какие планы?

- В планах – всё,  и очень много, и портреты, и пейзажи.

Сейчас над чем работаете?

nik lina- Сейчас только к выставке подготовился, здесь - 31 работа. Вот последняя работа, если хотите, расскажу её историю. Я писал в последний момент картину, которая должна была стать лицом выставки. Но как-то она у меня сразу не пошла: то подрамник пришлось переделывать, то грунтовалась не так, и в итоге, когда до выставки оставалось несколько дней, я её вымучил. Привез в Галерею, мы посмотрели и я решил - пусть это будет панно, на котором гости будут писать пожелания: кто-то нарисует рисунок, кто-то напишет пожелание, кто-то приклеит бумажечку с текстом. Вот такая идея получилась! Вообще я не люблю переделывать старые работы. Раньше я частенько стирал работы, срезал и заново начинал, а переделывать на старом мне как-то тяжело.

Т.е. работать по заказу, по указке не получается, важен элемент неожиданности.

- Да, было такое. Вообще я считаю, что живопись - это экстремальное занятие, поэтому интересно заниматься, посмотреть что получится.

Хорошо, эту картину вы специально писали к выставке, а что для себя писали, из последнего, можете показать, просто интересно сравнить вашу первую картину «Сирень»  с последней.

Картины Н.Кондрашева- Из последних - вот эти две метровые картины. На уроках живописи и рисунка у нас были метровые работы, но, уже занимаясь живописью, метровые я не писал. Больше всего в этих работах мне нравится фактура – переход цвета. Фрагмент этой картины есть на пригласительных, на афише, мне он нравится: конь здесь завертел, закрутил ногой краски. В этой закрученности краски есть какой-то танец цветов, есть гармония. Вторая картина называется «На Байкале», но главный персонаж здесь бревно. Я отдыхал в Максимихе и увидел там это бревно. На него падали волны, они растекались, закручивались, блестели: мокрое бревно отражало берег, небо, все это намешивалось, думаю, настроение удалось передать.

Я вижу  у вас еще одну картину на тему Байкала.

- Это Ольхон - стандартный вид, но нестандартный подход. Пробовал передать не сами
волны, а свет: как он переламывается в волнах, как от него падает тень, закручивается в барашки, как блестят камушки.

Это разные техники?

 - Да, первая написана мастихином, другая - кистью. Вот эти две картины тоже повесили рядом – еще один эксперимент. Я никогда не видел вживуюБайкал. Н.Кондрашев картины Ван Гога, но то, что видел на фотографиях, в репродукциях: мне нравится его культура мазка, его идея передать через мазки какое-то движение. Такими «вангоговскими» мазками хотел передать движение в «Дороге».

У вас какие-то дуэты получаются! То Байкал, то дороги, вот опять, на этот раз – розы?

- Эта картина называется «Утренние розы», я её написал в стиле «алоприма», пытался передать цвет кистью, без мастихина, без подмалевка. А этой такое название придумал -«Джазовые розы». Джаз и розы. Мне кажется, они поют, двигаются, выполнены одним крупным планом. Такие эмоциональные, джазово-теплые.

Вас вдохновили американские музыканты?

Джазовые розы. Н.Кондрашев-Нет, меня вдохновили американские художники, и не только. Мне нравится Левитан. У каждого художника можно что-то найти, какие-то идеи я подхватываю. Я все смотрю, запоминаю, потому что везде интересно: роспись, акварельная живопись. Эти вещи бывают очень полезны!

У вас в картинах столько солнца, цвета, света, и вы сами часто говорите - «солнце», «солнечные», «на солнце», вы, наверное - солнечный человек!

- (Никита улыбается) Что значит солнечный человек?

- В моем понимании, человек жизнерадостный, жизнелюбивый, который любит солнечную погоду и как магнит притягивает солнечную, позитивную энергию и охотно ею делится.

- Наверное, все любят солнечную погоду!

Тем не менее, глядя на ваши картины нет ощущения, что вы – сибиряк,  что это сибирские пейзажи. Откуда вы родом?

- Я родом из города Зима. Сибирский город с суровым названием. Вообще, в сибирских местах солнца много, я  так считаю. Вот настанет зима, я  сделаю настоящий зимний пленэр, с выходом в поле, в сугробы.

Вы сказали, что не планировали стать живописцем, но живопись вам преподавали?

-У нас была «Живопись» весь курс обучения, но профессионально живописцев никто не готовил, готовили дизайнеров. Я когда пишу, часто вспоминаю уроки по цветоведению, проектированию, там рассказывали про культуру мазка, про контур, про сочетание цветов. Мы делали какие-то макеты, цветовые выкраски, живописные вещи. Но самой технике, смешиванию цветов, разведению масляных красок нас особо никто не учил.

Т.е. вы до всего доходили сами? Можно сказать вы - самоучка?

-В чем-то, да, многосамоучка! Я пытливо подхожу к картинам, чтобы извлечь максимум!

«Извлечь максимум» - этот слоган отлично подходит к сегодняшней выставке Никиты. Остается только пожелать молодому художнику оставаться таким же настойчивым и  усердным в поиске новой пищи для «пытливого» ума!

Инга Ермолаева

Ай да Мастер: